Atualizado em: março 18, 2025 às 9:54 am
Por Guilherme Costa
Em algum momento no final de 2023 eu conheci uma música chamada “No.”, de uma tal de Virco; a introdução meio Pop logo sucumbi à atmosfera claustrofóbica, lembrando o auge do grunge (e do Alice In Chains). Depois eu descobri que Virco é o nome do projeto solo da musicista chilena Valentina Davidson e a faixa fez parte do álbum de estreia da cantora “Éxtimo”, lançado de forma independente. “No.”, a propósito, aborda uma relação de assédio:
(“Você foi ensinado que o mundo era seu/ Você simplesmente pega tudo o que você quer/ Mas eu não quero você e você continua insistindo/ Você não pode simplesmente me deixar em paz?”).
Tal tema, aliado a outros como infância, depressão e estresse pós-traumático, faz parte da temática lírica do “Éxtimo” (íntimo, em português). Para Davidson, a razão do título “é uma espécie de diário íntimo exposto ao mundo, por isso cada música narra uma fase da minha vida e desenvolve o trauma a partir de uma perspectiva diferente”. O estilo do álbum é influenciado pelas dinâmicas dos temas, o que significa que o rock pesado que me chamou a atenção em “No.” não é predominante: cada faixa é uma história e, consequentemente, uma trilha diferente.
Um disco que me chamou tanto a atenção (e que esteve entre os Melhores do Ano do Um Outro Lado da Música) por sua atmosfera, diversidade e qualidade sonora é o tema do primeiro 5 Perguntas do ano!
Confira:
O seu disco de estreia, “Éxtimo”, é muito rico musicalmente e conta com estilos variados (grunge, música eletrônica, folk, jazz, ska, heavy metal e etc). Quais foram as influências que te guiaram para a criação do álbum e como foi o direcionamento da produção para que todos esses estilos tivessem um resultado final coeso?
Obrigado, na verdade tivemos muitas influências diferentes. Tenho muito interesse pela capacidade que o metal tem de se misturar com outros gêneros e como isso permite contar histórias, é um gênero musical muito narrativo. Nesse sentido, o principal fio condutor do álbum é a história que ele conta, se chama Éxtimo porque é uma espécie de diário íntimo exposto ao mundo, por isso cada música narra uma fase da minha vida e desenvolve o trauma a partir de uma perspectiva diferente: a infância, os pesadelos, o luto, as crises borderline. Cada uma dessas perspectivas tem características sonoras e visuais para mim, e foi isso que nos levou a diferentes gêneros e sonoridades, não o contrário. Por isso, as primeiras músicas do álbum são as que têm mais sons infantis e de samples, como “Nightmares” e “Mónica”, “Emperor” tem um som bem mais adolescente, Man é fortemente influenciada pelas harmonias pentecostais das igrejas nas quais cresci, “Quisiera” e “Cherry Coke” são mais experimentais, atmosféricas e propositivas porque eu buscava traduzir o som dentro da cabeça de alguém borderline ou alguém com esquizofrenia, respectivamente. Se você perceber, eu não mencionei nenhum gênero musical, mas sim características do som e como elas me ajudam a contar uma história.
Claro que houve muitas referências importantíssimas para o álbum: Mr. Bungle é uma das minhas maiores inspirações para fazer música, Theocracy é uma banda de metal cristão que me ensinou, desde muito cedo, o potencial narrativo do metal, eles realmente conseguem criar odisseias bíblicas de 20 minutos e são tão ricas lírica e musicalmente. No plano nacional, Fulano é outra das minhas grandes influências, todas essas bandas experimentam muito com quebras, tensão e os limites entre um gênero e outro. Também me importava manter o feminino, o harmônico, até mesmo o pop que caracteriza minha voz, por isso, muitas vezes usei como referência Lana Del Rey, Alexandra Saviour ou Radiohead no estúdio. Embora Björk e Portishead não tenham sido referências explicitamente usadas no processo de criação, são artistas que me influenciaram muito e recebemos muitas comparações com eles.
O videoclipe de “No.” contou com a participação de onze artistas mulheres. Como foi a concepção e criação do clipe? E como ocorreu o contato com essas artistas?
Quando lancei a música, fiz uma convocatória através de meios de divulgação musical para que toda mulher e dissidência sexogenérica que quisesse interpretar a letra da música pudesse colaborar no videoclipe através de uma animação breve. Algumas artistas responderam a essa convocatória, mas muitas pessoas me disseram que, embora quisessem participar, não tinham conhecimentos de animação. Isso me motivou a criar um workshop gratuito de animação para mulheres e dissidências, onde falamos sobre diferentes técnicas de animação, desde as mais experimentais, e pudemos trocar muitas experiências sobre a violência machista, o sistema de prisões e maternidade no Chile, a experiência de ser mulher e artista, etc. Foi a parte mais rica de todo o processo para mim, porque meu interesse ao convidar outras pessoas a participar da minha arte é criar uma plataforma para mais vozes.
Tanto na minha música quanto na minha animação, me aproximo com experimentação e jogo. Não me interessa parecer profissional ou me comparar a parâmetros externos, me interessa o autêntico, aquilo que só eu, como autora, tenho, algo que ninguém mais tem. Por isso, projeto minhas animações nas minhas performances ao vivo também. Uma vez, uma pessoa na plateia comentou que me ver tocando ao vivo era como ouvir e ver minha voz ao mesmo tempo.
Como resultado, o workshop e as doações me trouxeram muitos estilos e técnicas diferentes de animação, então assumi o papel de montadora e diretora, fazendo uma espécie de colagem. Aproveitei muito o desafio de integrar tantas estéticas diferentes de maneira coesa, já que, no final das contas, cada imagem tinha algo em comum: era uma protesto.
O Brasil é um país muito grande e isso interfere, além de problemas financeiros e apoio de público, na atividade mais constante desses artistas. Por exemplo, uma turnê de dois/ três meses pelo país nem sempre é algo viável financeiramente. Como é esse cenário no Chile, no que diz respeito a segurança para que o artista consiga levar o seu projeto para diversas cidades do país e um retorno financeiro que garanta que tudo isso ocorra bem?
A verdade é que falar sobre segurança e turnês no Chile é algo que apenas artistas de renome podem abordar. Artistas como eu, que ainda são desconhecidos, não recebemos nenhum tipo de financiamento nem lotamos grandes palcos. Nunca fui em uma turnê, e todos os shows que fizemos no Chile envolvem muita autogestão, assim como tudo o que criamos.
No Chile, é muito comum se inscrever em fundos concorrenciais para financiar projetos artísticos, algumas bandas conseguem ir em turnê assim, mas poucas pessoas conseguem, porque a cada ano temos menos e menos orçamento estatal para cultura, e mesmo assim, temos políticos propondo que esse orçamento continue sendo cortado. Tivemos a sorte de conseguir um fundo nacional para fazer o primeiro álbum e valorizamos muito isso, mas para o nosso segundo álbum não tivemos a mesma sorte e isso implica que o processo seja muito mais lento, porque tudo é autogestionado: criar demos, mixar em casa, arrecadar fundos para mixagem e masterização, os equipamentos, salas de ensaio e transporte na hora de tocar ao vivo, são gastos que saem do nosso bolso. Então, se você quer saber sobre sucesso nesse aspecto, eu recomendo perguntar para alguém com trajetória e fama.
Recentemente eu entrevistei a cantora Maiah Wynne, cuja temática do álbum solo foi baseado em traumas pessoais. E “Éxtimo” também é um álbum muito pessoal, com letras baseadas em seus próprios traumas. Como você olha para as suas músicas após o lançamento do álbum, pensando nessa relação entre o seu íntimo (o que está escrito) e as diversas interpretações que o público pode ter? Elas também acabaram ganhando outros significados a partir das interpretações de outras pessoas?
Toda a minha vida eu cantei sozinha no meu quarto com a guitarra e o piano, me custou muitos anos me atrever a compartilhar minha música porque cresci em uma escola onde riam muito da minha voz e costumavam me dizer para me calar, que ninguém queria ouvir o que eu tivesse a dizer.
O lançamento do meu álbum foi muito emocional para mim, era a primeira vez que o tocava ao vivo em formato de banda, eu não esperava que o espaço se enchesse de pessoas, estava tão nervosa que pensava que tudo ia falhar, que ninguém iria aparecer. Minhas próprias letras falam muito sobre isso, sobre estar sempre sozinha e não sentir que o que faço é suficiente. A verdade é que chorei no palco, foi como um abraço gigante. É muito estranho me ouvir pedir perdão para minha mãe ou mencionar meus abusadores em público, mas ainda assim se sentia muito íntimo, é esse caminho entre o privado e vulnerável, até a exposição, o que eu chamo de éxtimo. O mais bonito para mim foi que, depois desse lançamento, a situação se inverteu, muitas pessoas se aproximaram de mim chorando ou contando experiências muito fortes que se sentiram à vontade para compartilhar comigo depois de me verem cantar minha música. Durante meses, recebi mensagens de pessoas que eu não conhecia, dizendo que choraram com o álbum ou que ele as acompanhou em suas próprias dificuldades, como dizemos no Chile.
Acho que isso é o mais bonito que compartilhar minha música me trouxe, porque a arte que mais me ajudou a viver foi sempre a arte feita por pessoas quebradas que me fizeram sentir que eu não estava sozinha. Eu me dedico à arte porque eu preciso dela, é o único espaço que me permite deformar a realidade e re-propô-la, dar sentido ao que não tem sentido, tomar posse do meu trauma e dar-lhe forma, costurar minhas feridas com carinho e cuidado, produzir com paciência e amor canções que partiram da ira, dar uma volta, recuperar o controle e, a partir daí, curar. Me honra profundamente que compartilhar minhas obras faça parte do mesmo processo para outras pessoas, e que minha música seja um abraço de volta para todas essas pessoas que também têm raiva, estão passando por lutos dolorosos ou se sentem quebradas.
Dentre as dez faixas presentes no “Éxtimo”, “Parece” me chamou a atenção por sua atmosfera pesada e urgente; parece um lembrete sonoro de que o álbum é pesado, apesar de algumas melodias mais pop. Pode falar um pouco sobre ela.
Adorei que você tenha decidido falar sobre essa música! Ela recebe pouca atenção, mas é a favorita de pessoas muito especiais.
“Parece” é a primeira música de todo o álbum em que falo no meu idioma nativo, ao invés de inglês, e a única coisa que digo é: “parece que nunca vai deixar de doer.” Essa frase eu escrevi anos antes de produzir o álbum, escrevi sentindo que jamais ia melhorar, me sentia escrava do meu estado mental, incapaz de querer estar viva, queria desistir. A imagem que isso tinha na minha cabeça era como se eu estivesse submersa em uma banheira que estava se enchendo sozinha, com meu corpo imóvel. Sempre imaginava que, ao me afundar na água, ela se transformava em um oceano, que eu ficava sem ar, e que ali tinha que me debater e lutar pela minha vida até tirar a cabeça da água e recuperar o ar. Para mim, isso é a depressão: uma imobilidade fria e pesada, parece um afogamento, aperta o peito. “Parece” foi uma tentativa de reproduzir essas imagens através do som; Como soa para mim o afundamento? Como soa a imobilidade, ou o desistir? Foi um dos processos mais experimentais de todo o álbum, trabalhamos a voz com um eco constante e repetitivo, que é a base de todos os outros sons, gravamos pássaros cantando perto do estúdio e fizemos samples de seus cantos para distorcer seus sons, até inserimos trechos de “Quisiera” e “Man” dentro dessa música, mas estão tão trabalhados na produção, tão destruídos, que são irreconhecíveis. Esse é um dado muito simbólico para mim, porque escrevi “Parece” quando ainda era parceira da pessoa para quem escrevi “Man”, e “Quisiera” é uma música que descreve como soa minha cabeça durante uma crise borderline. Então, para mim, esses sons de alguma forma acrescentavam contexto ao meu estado mental e emocional na hora de dizer: “acho que não há saída, parece que não vou ganhar essa batalha.”
Como você menciona, é um lembrete dessa sonoridade mais intensa que o álbum propõe, já que nasce do desejo de criar um ambiente sonoro que remeta à minha mente nesses momentos de escuridão, crise e horror.
O Um Outro Lado da Música tem um quadro que se chama “Um Outro Lado Indica”. E eu quero saber de você, qual artista/ banda você indica para mim e para quem está lendo a entrevista!
Vou recomendar 4 artistas nacionais que admiro profundamente e que acho que podem interessar a vocês.
Minha primeira recomendação é: Rosa Moribunda. A primeira vez que ouvi essa banda ao vivo, me senti grato por poder fazer música, com isso já digo tudo. Rosita é uma artista insana e sem medo, isso me encanta. A banda tem um som muito brincalhão, jazzístico e cheio de referências para os melômanos. Ouvi-los ao vivo é um grande presente, são músicos realmente prodigiosos.
Minha segunda recomendação é: Yamán Sapodrido. Essa é para quem ama metal. Suas letras são muito engraçadas e ousadas, adoro como ele grita e compõe. É um músico muito talentoso, mas também tem um carisma que torna seus shows ao vivo muito agradáveis, claramente nasceu para estar diante de uma audiência. E esse encanto não se perde em seus trabalhos de estúdio, se você ouvir com atenção, vai entender o humor desse artista.
Se você gosta das atmosferas etéreas de Virco e procura uma banda que contraste um som pesado com uma voz mais feminina e doce, recomendo Vestya. Acho que é o mais parecido que já ouvi com o que eu faço e agradeço muito por ter o privilégio de conhecê-los. Eles estão em processo de lançar seu primeiro álbum ao vivo, mas podem encontrar apresentações ao vivo no YouTube que são incríveis. Recomendo muito, porque a vocalista é uma performer incrível, muito física na sua forma de se expressar.
Minha última recomendação é uma das minhas bandas favoritas chilenas, é mais punk e também é liderada por uma voz feminina, se chama Estriba. Acho que, se você gosta de Kim Gordon, deveria ouvir essa banda. Além disso, acredito que tanto Estriba quanto Vestya são boas opções para quem gosta de shoegaze e post hardcore. Se existe um ponto médio entre esses dois mundos, são essas bandas.